6. Kate Hardie

Kate  is  an  actress  who's  interested  me  ever  since  an  interview  with  the  Bluebells  in  Record  Mirror  in  early  1983  in  which  one  of  them  expressed  an  interest  in  "Bill  Oddie's  daughter"    to  which  the  aghast  hack  responded  with  "Kate  Hardie ? She's  only  13! ". I  was  intrigued  to  know  what  sort  of  girl  could  elicit  such  an  indiscretion  from  the  Scottish  songstrel  and  it  also  reminded  me  of  an  encounter I  had  on  a  bus  going  into  Rochdale  in  1980  with  an  old  lady  who  claimed  to  be  Bill  Oddie's  mother. It  was  possible  that  I  had  actually  seen  this  girl  in  the  flesh. When  I  finally  glimpsed  her  two  years  later,  in  the  under-rated  crime  drama  Travelling  Man,  she  wasn't  someone  I  recognised  but  was  definitely  worth  investigating. The  Bluebells  interview  is  still  intriguing  because  I  can't  work  out  what  would  have  put  Kate  in  the  public  eye  before  her  first  film ( hardly  a  blockbuster ) later  that  year. 

Kate  was  born  in  1969  to  the  birdwatching  Goodie  and  his  first  wife , Jean  Hart,  in  Hampstead  London  and  may  never  have  set  foot  in  Rochdale. She  had  an  eventful  time  at  14,  acquiring  her  first  film  role  without  any  experience  or  parental  permission  and  shacking  up  with  a  boy  ( what  were  Social  Services  doing ?).  As  we'll  see  Kate  was  active  throughout  the  eighties  and  nineties  but  hasn't  had  a  film  role  for  over 10  years  now. In  part  this  is  due  to  her  pursuing  ambitions  to  be  a  writer  and  director  ( without  conspicuous  success  so  far )  but  she  also  has  a  reputation  for  being  difficult  on  set  and  for  retrospectively  bad  mouthing  her  directors. There's  also  a  well-documented  history  of  mental  health  issues  in  the  Oddie  family  which  may  be  a  factor.

Kate  has  been  married  to  a  photographer  and  has  one  son. She  has  also  had  relationships  with  actors  Dorian  Healy  and  David  Thewlis. She's  not  a  conventional  beauty  with  a  completely  natural  trout  pout  but  gorgeous  brown  eyes  make  her  attractive.

Kate  is  herself  an  active  blogger  and  you  can  read  her usually  lively  thoughts  at  www.stillgrumpymshardie.blogspot.co.uk  but  beware  her  erratic  approach  to  punctuation.

You  will  note  that  this  isn't  a  very  well-illustrated  post  since  many  of  Kate's  film  roles  have  been  very  small  and  therefore  it's  hard  to  find  a  still  to  use. If  anyone  can  help  please  get  in  touch.

1.  Runners  (1983)

Kate's  first  film   role ,  indeed  first  acting  job  of  any  description   was  in  this  low  budget  British  drama  written  but  not  directed  by,  the  young  Stephen  Poliakoff.

Kate  plays  Rachel, the  daughter  of  Tom  ( James  Fox )  and  Gillian ( Eileen O' Brien )  who  goes  missing  at  the  age  of  eleven. She  doesn't  appear  until  the  last  third  of  the  film   and  her  performance  isn't  the  most  expressive  but  for  her  age  and  inexperience  she  does  OK.

The  film  is  more  focused  on  her  father  Tom  who, two  years  after  the  disappearance  takes  the  advice  of  Wilkins  ( Robert  Lang ) , the  organiser  of  a  ramshackle  support  group, to  go  to  London  and  look  for  her, aided  by  Helen  ( Jane  Asher ) who  is  looking  for  her  son.

Fox  is  excellent  in  a  subtle  performance  as  an  easygoing  guy  in  the  grip  of  an  obsession  and  helps  you  overlook  the essential  absurdity  of  the  revelation  of  Rachel's  whereabouts  and  the  melodramatic  abduction  scenes.

The  political  message  about  unemployment  doesn't  quite  work  for  me  but  it  does  succeed  as  a  portrait  of  London  in  the  early  eighties, unregenerated  and  dowdy, Tom's  drab  and  seedy  hotel  a  metaphor  for  the  city  as  a  whole.
 

2.  Revolution  (1985)

Kate's  next  two  films  saw  her  caught  up  in  a  bigger  story,  namely  the  fate  of  the  British  film  industry. In  the  mid-80s,  with  cinema  audiences  shredded  by  the  home  video  boom  and  with a  laissez-faire  government  quite  content  to  see  film  go  the  way  of  cotton  and  steel,  the  industry  was  widely  reported  to  be  receiving  the  last  rites  and  dependent  on  two  big  films  from  Goldcrest  Films  ( the  only  British  player ) released  in  the  first  half   of  1986  for  its  very  survival.

The  first  was  this  one,  an  epic  set  during   the  American  War  of  Independence  directed  by  Hugh  Hudson  ( of  Chariots  Of  Fire  fame )  and  starring  Al  Pacino. It  was  a  notorious  box  office  disaster  which  blighted  both  men's  careers - in  Hudson's  case  permanently.  The  two  collaborated  on  a  director's  cut  version  released on  DVD  in  2009  - Hudson  blamed  a  premature  release  caused  by  Goldcrest's  financial  difficulties  for  its  failure - which  added  a  Pacino  voiceover  and  changed  the  ending  and  that's  the  version  I've  seen. It  might  also  have  removed  Kate  from  the  film ;  although  she's  credited  towards  the  bottom  of  the  cast  list  as  "Carrie",  I  didn't  spot  her.

I  don't  like  recycling  received  wisdom  and  have  enjoyed  other  films  that  the  critics  savaged  but  they  were  dead  right  here. This  is  over-long, incoherent , episodic,  miscast  and  emotionally  sterile. The  basic  story  concerns  Tom  Dobb ( Pacino ) a  widowed,  illiterate  fur  trader   who, with  his  remaining  son  Ned ( Sid  Owen  then  Dexter  Fletcher )  sails  unwittingly  into  fervid  New  York  on  the  eve  of  revolution  and  can't  escape  being  dragged  into  the  war  for  the  next  few  years  to  protect  the  hotheaded  Ned. Along  the  way  they  keep  bumping  into  Daisy  ( Natassia  Kinski ) a  rebel  patriot  from  an  Anglophile  family.

There's  little  more  in  the  way  of  plot  than  that ; the  film  proceeds  as  a  series  of  disconnected  episodes  which  range  from  uninteresting  to  downright  embarrassing.  The  battle  scenes  are   under-manned  and  unconvincing  and  take  place  all  too  obviously  in   England.  There's  very  little  historical  context  to  what's  going  on, a  fault  that  the  added  voiceover  does  nothing  to  correct. It  seems  more  like  an  inadequate  sticking  plaster  attempting  to  cover  for  the  extreme  paucity  of  the  dialogue  and  often  seems  to  be  sending  out  a  different  message  to  the  action. The  American  army  sergeants  are  shown  to  be  as  callous  as  their  British  counterparts  and  eventually  fail  to  honour  their  promises  to  Dobb  so  there's  no  motivation  whatsoever  for  his  hokey  homage  to  Uncle  Sam  at  the  end  of  the  film.

Much  of   the  criticism  was  aimed  at  Pacino  for  his   indeterminate  accent   and   he  sat  out  the  rest  of  the  eighties. It's  not  great  and  wrecks  his  biggest  emotional  scene  with  Owen  by  making  it  unintelligible , but  compared  to  some  of  the  film's  other  failings  it's a relatively  minor  issue. Maybe  it's  just  relief  that  this was  made  before  the  urge  to  bawl  his  way  through  a  film  took  hold  of  him  but  I  think  his  performance  is  quite  acceptable  given  how  awful  the  script  is. His  isn't  even  the  worst  accent ; Donald  Sutherland's  attempt  at  a  Northern  English  accent  is  even  worse  than  the  Irish  one  in  The  Eagle  Has  Landed  and  makes  his  main  villain  a  comic  figure.

The  relationship  between  Dobb  and  Daisy  must  be  the  least  convincing screen  romance  in  cinematic  history  from  the  moment  it's  kindled  in  a  truly  ludicrous  scene where  she  wanders  onto  a  battlefield  and  finds  Tom  and  Ned  having  a  kip in  its  midst  to  its  abrupt  termination  in  the  revised  version  ( still  probably  an  improvement  on  the  original ). Kinski  is  astonishingly  bad  in  a  film  chock  full  of  terrible  acting ; only  Richard  O  Brien's  way  over  the  top  pantomime  turn  as  an  English  officer  is  worse . The  father/son  relationship  isn't  much  better  realised  with  neither  Owen  nor  Fletcher  impressing.  Annie  Lennox  , continuing  her  unhappy  relationship  with  the  cinema  ( see  the  1984  review  in  the  Suzanna  Hamilton  post )  gets  her  cameo  over  with  in  the  first  ten  minutes  as  a  rabble  rouser  and  is  actually  one  of  the  better  performers.


3.  Mona  Lisa ( 1986 )

The  predictions  of  doom  for  the  British  film  industry  were  rather  exaggerated  in  hindsight  though  fairly  accurate  for  Goldcrest  itself . At  the  time,  the  sinking  of  Revolution  led  to  an  extraordinary  media  overkill  surrounding  the  release  of  Goldcrest's  next  picture  a  couple  of  months  later. The  massive  over-hype  for  Absolute  Beginners  probably  did  more  than  harm  than  good  to  a  decidedly  mediocre film  which  couldn't  begin  to  bear  the  weight  of   hope  and expectation  with  which  it  was  sadddled. However  there  was  a  British  success  story  just  around  the  corner , not  involving  Goldcrest  though,  and  Kate  was  a  ( small )   part  of  it.

The  film, director  Neil  Jordan's  third, is  a  contemporary  crime  thriller  with  an  unlikely  romance  driving  the  action. George ( Bob  Hoskins )  is  an  old school  villain,   just  released  from  prison  after  a  long  stint  and  expecting  a  pay-out  for  keeping  shtum  from  his  associate  "Dinny"  Mortwell  ( Michael  Caine ). What  he receives  is  a  job  chauffeuring  a  prostitute  Simone  ( Cathy  Tyson ) and  collecting  evidence  of  her  liaisons  for  blackmail  purposes.  George  begins  to  fall  for  Simone  and  accepts  a  task  from  her  to  find  another  young  prostitute  Cathy  ( Kate )  who has  gone  AWOL.

The  film  was  a  major  success  with  Hoskins  receiving  an  Oscar  nomination  and  the  stardom  that  should  have  been  his  after  The  Long  Good  Friday. Likewise  Jordan  was  set  up  for  a  prosperous  directing  career  just  as  Revolution  shut  the  door  in  Hudson's  face.

It's  an  important  milestone  in  the  line  of  British  crime  thrillers. George  is  a  relic , his  code  of  honour  hopelessly  out  of  place  in  the  nightmarish  new  world  driven  by  drugs ,  sex  and  social  climbing  with   random  violence  likely  to  break  out  at  any  moment . In  turn the  film  has  started  to  age - a  sympathetic  character  like  George  wouldn't  be  allowed  to  be  a  homophobe  without  challenge  now  and  the  psychopathic  pimp  Anderson  wouldn't  be  played  by  a  black  guy ( Clarke  Peters ) - but  it's  still  very  enjoyable.

Hoskins  is  superb  as  George. It's  difficult  to  believe  an  ex-con  would  be  quite  so  naive  about  the  world  outside  but  Hoskins  pulls  it  off  and  the  one-sided  romance  draws  you  in  completely. You  can  feel  George's  pain  as  the  truth  dawns. Michael  Caine  is  also  at  his  best  playing  an  utterly  despicable  character  whose  false  matey-ness  makes  him  even  worse. Tyson  won  a  lot  of  plaudits  for  an  assured  film  debut  and  probably  deserved  a  few  more  chances  than  she  got  before  having  to  settle  for  a  solid  career  on  British  TV.  Robbie  Coltrane  injects  some  droll   humour  as  George's  pal  Thomas  and  even  the  dreaded  Sammi  Davis  isn't  too  bad  as  a  pitiful  whore.

Kate  memorably  first  appears  being  sodomised  with  a  rubber  glove  by  a  dirty  old  man. The  scene  isn't  particularly  graphic  and   Kate  later  accused  Jordan  of  not  fully  explaining  its    nature  to  her. Her  performance  is  good  but  there's  not  enough  back  story  to  the  character  to  make  you  care  much  about  her  which  is  just  as  well  as  her  fate  is  left  completely  in  the  air.

4. Cry  Freedom ( 1987)

Kate  re-appeared  the  following  year  in  Sir  Richard  Attenborough's  big  budget  factual  drama  about  Steve  Biko, South  Africa's  second  most  famous  freedom  fighter.

Steve  Biko  was  a  former  student  activist  whose  Black  Consciousness  Movement  inspired  the  Soweto  uprising  brutally  put  down  by  security  forces  in  1976. The  following  year  he was  arrested  and  died  after  a  month  in  captivity  in  beyond-suspicious  circumstances. His  death  significantly  ratcheted  up  international  pressure  on  the  apartheid  regime  due  to  the  efforts  of  his  white  journalist  friend  Donald  Woods   in  publicising  his  case.

This  is  the  story  Attenborough  was  bringing  to  the  screen  with  Kevin  Kline  as  Woods  and  Denzel  Washington,  in  his  breakthrough  role, as  Biko. With  Woods  and  his  wife  as  principal  consultants  on  the  film  Attenborough  tried  to  be  as  scrupulously  accurate  as  possible  except  where  it  was  necessary  to  protect  the  identity  of  Biko  associates  still  living  in  South  Africa.

This  meticulous  attention  to  strict  accuracy  does  lead  to  some  major  problems. One  is  that   the  film  is  seriously  over-cast  with  more  speaking  parts  than  any other  film  that  I  can  readily recall ; every  time  Woods  has  an  encounter  with  the  state  police  it's  someone  different   and  it  becomes  confusing. Similarly  everyone  who  aided  Woods's  flight  to  Lesotho  in  any  way  gets  their  five  minutes  without  any  real  explanation  of  who  they  are. Some  compositing  of  the  minor  characters  would  have  made  it  easier  to  follow.

It  also  leads  to  the  refusal  to  depict  what  actually  happened  during  Biko's  spell  in  the  clink. One  minute  he's  being  arrested, the  next  he's  comatose  on  the  floor  of  a  cell. To  anyone  not  previously  acquainted  with  the  facts   this  must  seem  a  very  strange  directorial  decision
particularly  when  the  Soweto  massacre  ( itself  placed  at  a  very  odd  point  in  the  narrative )  is  rendered  quite  graphically

Added  to  these  problems  the  film  is  over-long  particularly  after  Biko's  death  when  he  has  to  keep  re -appearing  in  not  very  illuminating  flashbacks  lest  we forget  who  it's  all  about. At  times  the  film  has  a  very  cut  and  paste  feel  to  it. It's  also,  despite  the  obvious  dangers
that  the  characters  court, curiously  lacking  in  tension. The  whole  last  third  of  the  film  concerns   Woods's  high  risk  escape  from  the  country  disguised  as  a  priest   but  it's  never  exciting.

On  the  plus  side  it's  not  as  preachy  as  I  expected  ,  the  white  case  not  being  entirely  unheard   or  put  in  the  mouths  of  cartoon  villains.

The  cast  is  interesting  with  Brit  telly  stalwarts  like  Penelope Wilton  and  Kevin  McNally  rubbing  shoulders  with  the  Hollywood  names. I  didn't  find  either  of  the  latter  very  convincing. Kline  brings  a  conceited  smugness  to  his  portrayal  of  Woods  that  probably  wasn't  intentional  or  warranted  while  Washington  gives  Biko  a  goofy  college  boy  quality  that  doesn't  square  with  my  idea  of  the  man  ( or  surviving  footage ). He  got  an  Oscar  nomination  as  best  supporting  actor  but  wouldn't  have  got  my vote. The  best  performance  is  actually  John  Thaw  (  in  a  rare  post-Sweeney  film  role )  as  the  odious , hypocritical  police  minister  Kruger  who  should  have  had  more  scenes.

Kate  plays  Woods's  eldest  daughter  Jane  but  she  isn't  given  that  much  to  do  beyond  looking  soulfully  at  her  dad  as  he  makes  his  big  decisions. Tantalisingly  there  are  one  or  two   shots  where  she's  in  a  white  bikini  but  taken  from  at  least  a  couple  of  miles  away.

 
5. Melancholia ( 1989 )

Kate  returned  to  film,  after  a  short  stint  as  a  young  nurse  in  Casualty, to  play  a  small  role  in  this  Anglo-German  political/pyschological  drama. It  has  nothing  to  do  with  the  recent Lars  von  Trier  film  of  the  same  title.

This  film  stars  Jeroen  Krabbe  as  Peter  Keller , a  radical  German  activist  in  the  heady  days  of  1968  but  now  a  bored  art  critic  based  in  London,  facing  up  to  middle  age  with  an  unfinished  book  and  a  growing  drink  problem.  In  the  early  part  of  the  film  he  receives  two  offers, a  holiday  let  in  Italy  so  that  he  can  finish  the  book,  arranged  by  old  flame  Catherine  ( Susannah  York )   and  a  commission  from  old  associate  Manfred  ( Ulrich  Wildgruber )  to  assassinate  a  Chilean  torturer  who  is  due  to  visit  Britain.

This  is  a  fairly  obscure  film  but  actually  very  good. Despite  the  trappings  of  its  time, the  VHS  cassettes  , antique  telephones  and  Kate's  Nick  Kamen  hairstyle ,  it  feels  very  contemporary. Some  of  the  intricacies  of  the  plot  were  lost  on  me  because  two  key  scenes  where  Peter  and  Manfred  hook  up  are  in  German  without  subtitles  but  it  didn't  prevent  my  enjoyment.  It's  thoughtful  without  being  ponderous  and  delivers  one  or  two  surprises  including  one  of  the  more  ingeniously  planned  screen  murders.

The  cast  is  excellent. Krabbe  shows  what  he  can  do  when  not  playing  hammy  villains  in  Hollywood  with  a  sturdy  central  performance  , outwardly  urbane  and  impassive  but  inwardly  desperate  to  keep  the  embers  of  his  youthful  self  glowing.  Wildgruber  is  seedily  good  as  the  manipulative  Manfred  who  knows  which  buttons  to  press   and  Jane  Gurnett   ( herself  to  go on  to  Casualty  as  a  Tory-supporting  nurse )  is  chillingly  perfect  as  the  widowed  torture  victim  living  only  for  revenge. One  other  cast   member  of  note  is  comedian  John  Sparkes  in  a  small  straight  role  as  an  art  exhibitor  who  looks  and  sounds  like  George  Osborne. 

Kate  has  a  small  but  important  role  as  Catherine's  daughter  Rachel  whose  animal  rights  activism  helps  Peter  decide  which  way  to  jump. She's  as  good  as  anyone  else  in  this  very  under-rated  movie.

6. Conspiracy (1989)

7. The  Krays ( 1990 )

This  was  Kate's  first  fully  adult  film  role  and  probably  her  best  known  as  the  film  does  get  shown  regularly  on  ITV.

This  biopic  of  London's  infamous  criminal  clan  had  been  trailed  for  most  of  the  preceding  decade,  having  first  been  mentioned  by  the  Kemp  brothers  in  interviews  going  back  to  1982. By  the  time  it  actually  came  out,  Spandau  Ballet  were  down  the  dumper  so  expectations  weren't  exactly  high  for  a  film  starring  a  couple  of  has-been  pop  stars  in  the  title  roles.

The  film  traces  the  lives  of  the  twins  ( Gary  Kemp  plays  Ronnie, Martin is  Reg )  from  their  rough  and  ready  upbringing  in  the  rubble-strewn  East  End  to  the  two  murders  which  eventually  saw  them  banged  up  for  life. Like , I  suspect,  many  people  from  up  North  ( although  Morrissey's  an  obvious  apostate )  I've  always  failed  to  understand  the  enduring  fascination  Londoners  seem  to  have  with  these  two  violent  thugs  who  got  exactly  what  they  deserved  and  their  wilfully  blind  mother .  Thankfully  the  film  doesn't  shy  away  from  the  violence  and  eschews  any  fatuous  scenes  of  old  ladies  being  helped  across  the  road. Ronnie  is  portrayed  as  the  unpredictable  psychopath  he  was  and  Reg  as  his  only   relatively  calmer   neanderthal  sidekick  with  perhaps  an  even  greater  love  of  violence. Violet  their  mother  isn't  shown  to  be  overtly  complicit  but,  as  played  by  Billie  Whitelaw,  you  feel  she  must  have  had  some  inkling  what  was  going  on.

The  general  reception  for  the  film  in  1990  was  positive  - "better  than  expected"  was  the  usual  comment.  Both  Kemps  were  able  to  move  on  to  other  acting  work  though  it  shouldn't  really  have  been  a  surprise  that  they  were  competent  as  both  had  been  to  the  Anna  Scher  stage  school. The  film  is  good  on  period  detail  although  the  East  End  streets  look  a  little  under-populated. My  main  criticism  of  the  film  is  that  it  is  a  bit  episodic  and  thin  on  narrative - you  don't  get  much  sense  of  who  the  brothers   are  fighting  or  why  Cornell  and  McVite  were  singled  out  for  the  ultimate  sanction.

Other  performances  worth  mentioning  are  those  of  Tom  Bell,  splendidly  seedy  as  Jack  The  Hat  and  Susan  Fleetwood  as  scary  Aunt  Rose  who's  more  frightening  than  either  of  the  boys. And  then  there's  Stephen  Berkoff  as  George  Cornell  who  must  still  be  finding  bits  of  the  set  in  his  cavities  even  now ; I'm  struggling  to  think  of  any  other  OTT  performance  that  outdoes  it.

Kate  plays  Reg's  mentally  fragile  wife  Frances  and  is  excellent, the  sympathetic  female  character  the  film  needs.  The  scene  where  she's  pleading  fruitlessly  with  Reg  to  stop  pulverising  two guys  just  for  looking  at  her  is  very  powerful. As  an  example  of  an  abusive  relationship  without  violence  ( at  least  not  to  each  other )  it's  salutary  and  her  ultimate  action  is  entirely  understandable.



8. Under  The  Sun ( 1992 )

9. Jack  And  Sarah  ( 1995 )

When  this  one  popped  up  on  the  list  of  Kate's  films,  I  was  quite  surprised  as  I had  seen  it  in  the  cinema  when  it  first  came  out  ( a  frighteningly  long  time  ago ) and  didn't  remember  her  being  in  it  at  all. She  plays  Pamela,  the  sister  of  the  first  Sarah  and  therefore  aunt  of  the  second. She  is  completely  wasted  playing  a  superfluous  character,  required  to  do  nothing  more  than  look  doleful  in  a  handful  of  early  scenes  and  she  looks  plump and  dowdy.  No  wonder  I'd  forgotten  her.

Jack  ( Richard E  Grant )  is  a  well-heeled  London  lawyer  moving  into  an  unfinished  house  with  heavily  pregnant  wife  Sarah  ( Saffron  Burrows )  to  a  dire  mid-nineties  soundtrack  of  Simply  Red, Omar  and  the  Lighthouse  Family. When  she  dies  after  giving  birth  to  a  girl  he  goes  off  on  a  drunken  bender  with  a  tramp  William  ( Ian McKellen )  who's  been  living  in  his  skip. Once  he's  been  persuaded  by  his  parents  ( Judi  Dench  and  Graham Crowden )  and  mother-in-law  ( Eileen  Atkins )  to  accept  responsibility  for  baby  Sarah  he  rejects  their  advice  and  appoints  an  inexperienced   American  waitress  Amy  ( Samantha Mathis ) to  be  nanny.

Though  outwardly  dissimilar , the  influence  of  Four  Weddings  And  A  Funeral  hangs  heavily  over  this  film. There's  the  same  attempt  at  blending  comedy  with  tragedy, a  plummy-voiced  leading  man  and  an  American  actress  to  hook  the  Yanks  ( they  didn't  bite ) .  It's  likeable  enough  but  no  classic. You   could  drive  a  coach  and  horses  through  some  of  the  holes  in  the  script. How  come  Jack's  descent  into  drunken  depression  has  no  effect  on  his  job ?  What  exactly  causes  Sarah's  death ? What  is  William's  back  story ?  The  lack  of  information  on  this  latter  point  renders  his  redemption  particularly  implausible. And  if  I'm  not  mistaken  there's  a  classic  continuity  goof  when  a  full  table  of  diners  at  Amy's  restaurant  vanishes  into  thin  air.
Some  of  these  gaps  could  have  been  filled  by  sacrificing   the  lame  comedy  of  the  first  half  hour  which  seems  to  be  primarily  there  to  give  Burrows  a  decent  amount  of  screen  time   and  which  unfortunately  allows  Grant  to  treat  us  to  his  Withnail  histrionics once  again.

You  might  gather  from  that  that  I'm  not  his  biggest  fan  which  is  true  and  was  the  case  before  he  tried  to  steal  my  taxi  outside  Manchester  Town  Hall  a  few  years  ago  ( it  was  pre-booked  so  he  didn't  succeed ).  He's  actually  OK  in  this  once  Sarah's  gone  and  it  is  the  performances  that  save  this  film. Mathis's  character  isn't  particularly  well-written  but  she's  so  charming  it  doesn't  matter   and  makes  the  hokey,  obvious  ending  unexpectedly  affecting. The  thespian  firepower  of  McKellen  and  Dench  is  well-deployed  particularly  the  latter  in  an  admirably  unflattering  role. The  same  is  true  of  Cherie  Lunghi  as  Grant's  hard-faced  boss. The  only  bum  note  is  Laurent  Grevill   brought  in  as  Amy's  former  boss/lover  because  it's  an  Anglo-French  venture  but  an  unnecessary  pouting  bystander in  the  overall  scheme  of  things.

10. Croupier  ( 1998 )

  

Kate's  next  film  was  this  Film  Four  production  starring  Clive  Owen.

Owen  plays  Jack  Manfred  a  struggling  writer  persuaded  by  his  father  ( Nicholas Ball )  to  return  to  the  world  of  casinos.  He  gets  a  job  as  a  croupier  in  a London  casino  to  the  disapproval  of  his  girlfriend  Marian ( Gina  McKee )  and  soon  gets  involved  with  fellow  dealer  Bella ( Kate )  and  all  manner  of  shady  goings  on. He  also  gets  involved  with  a punter  Jani  ( Alex  Kingston )  who  comes  up  with  a  dangerous  proposition.

This  is  a  very  aggravating  film  which  always  disappoints  just  as  it's  threatening  to  get  interesting. There  are  two  major  problems. One  is  the  concept  that  Jack  is  writing  a  book  about  his  experiences  so you  have  much  of  the  action  explained  by  Owen's  third  person  voiceover  with  plenty  of  laboured  gambling  metaphors. This  rapidly  becomes  very  irritating. The  other  problem  is  that  none  of  the  plot  strands  seem  to  be  resolved;  even  the  death  of  a  major  character  is  left  hanging  in  the  air.

Owen  gives  his  usual  plank-ish  performance. McKee  struggles  to  make  sense  of  an    unconvincing  character  and  Ball  is  as  dislikeable  as  ever.   The  pluses  are  Kingston  ( briefly  nude  at  one  point ) and  Alexander  Morton  as  the  straight  casino  boss. Although  second-billed,  Kate  isn't  actually  in  it  that  much  and  her  character  doesn't  make  a  lot  of  sense  either. She  is  briefly  topless  but  looks  rather  dowdy  for  most  of  the  film.

11. Heart  ( 1999 )

For  Kate  fans,  this  is  the  must-see  film.  both  for  the  amount  of  screen  time  she  gets  and  the  amount  of  flesh  she  displays.

Heart   was  developed  from  a  Cracker  script  that  was  never  developed  possibly  for  being  too  melodramatic  to  be  believable. Before  I  watched  it , I  had  no  idea  much  of  it  was  filmed  in  locations  very  familiar  to  me.

Kate  plays  Tess,  wife  to  Gary  ( Christopher  Eccleston ) a  commercial  pilot  with  a   heart  condition. She  is  cheating  on  him  with  Alex  ( Rhys  Ifans )  an  arrogant  young  writer  who  apparently  lives  in  the  Pigeon  Tower  just  below  Rivington  Pike. Gary  receives  a  new  heart  from  a  young  man  killed  in  a  motorcycle  accident  and  introduces  himself  to  the  donor's  mother  Maria  ( Saskia  Reeves )  without  realising  that  he  is  feeding  a  dangerous  obsession.

This  is  an  enjoyable  film  if  you  don't  take  it  too  seriously  and  there  a  few  jokes  in  the  script.  The  plot  is  full  of  holes  with  the  bloody  climax  to  the  film  hinging  on  a  piece  of  security  footage  jumping  from  a  TV  studio  to  a  hospital  with  no  real  explanation.  And  the  final  twist  depends  on  the  police  not   forensically   investigating  a  multiple  murder  scene.    

Reeves'  performance  is  a  bit  one  note  but  everyone  else  is  excellent . Kate  throws  herself  into  her  multiple  sex  scenes  with  gusto  and  manages  to  elicit  some  sympathy  for  her  adulterous  character.  

12. The  Announcement  ( 2000 )

13. Die  Helden ( 2000 )

14.  I  Am  Dina  ( 2002 )

If  this  one  really  does  mark  the  end  of  Kate's  film  career  it  wasn't  a  bad  pick  for  a  swansong.

It's  a  Norwegian  melodrama  with  a  largely  home  grown  cast. Dina  is  a  young  girl  in  nineteenth  century  rural  Norway   who  inadvertently  causes  the  death  of  her  mother  in  a  terrible  accident  ( one  of  the  most  horrendous  screen  deaths  I've  ever  seen ). Shut  out  by  her  grieving  father  ( Bjorn  Floberg )  the  adult  Dina  ( Maria  Bonnevie ) grows  up  to  be  a  woman  of  violent  passions  , haunted  by  her  mother's  ghost  and  unable  to  shake  off  her  association  with  loss  and  death. Just  your  typical  Scandinavian  feelgood  movie  really.

It's  not  all  doom  and  gloom  though. There  are  humorous  moments  usually  at  the  expense  of  Gerard  Depardieu  as  the  husband  who  finds  he's  bitten  off  more  than  he  can  chew  with  Dina. Women  viewers  no  doubt  cheer  as  Dina  regularly  worsts  almost  every  male  assailant  in a  fight  and  takes  command  in  both  bedroom  and  board  room.  It's  not  unfair  to  the  men  ; even  the  most  unpleasant  character,  Dina's  resentful  stepson  Niels  ( Mads  Mikkelson )  an  embezzler  and  rapist   is  allowed  some  humanity. The  cinematography  is  superb  although  admittedly  it  would  take  a  genius  to  make  a  mess  of  Norway's  scenic  qualities.

I  have  the  odd  quibble. Sometimes  it's  hard  to  make  out  the  dialogue  with  the  Norwegian  accents  and  it's  a  bit  too  long. Dina's  affair  with  a  Russian  anarchist  ( Christopher  Eccleston )  is  the  least  interesting  of  her  relationships  but  dominates  the  latter  part  of  the  film.

As  Dina ,  Maria  Bonnevie  is  stunningly  beautiful  especially  in  the  nude  scenes ; her  breasts  are  stupendous. She   also  makes  light  work  of  the  physical  demands  of  the  role. I'd  hesitate  to  call  her  a  fantastic  actress   because  she  relies  too  much  on  a  wide-eyed  fixed  stare   which  becomes  wearing  over  two  hours. The  supporting  performances  are  all  good  particularly  Depardieu  as  the  pathetic  beta  male  and  Floberg  as  the  father  whose  heart  has  turned  to  ice.

Kate  has  a  small-ish  role  as  Stena   the  wet  nurse  ( though  I  suspect  it  isn't  her  breast  in  the  feeding  shot )  and, subsequently , nanny  to  Dina's  son.  She  has  one  good  scene  giving  her  a  triumph  over  Niels  in   a  stormy  encounter.

Kate's  never  going  to  be  a  major  star  now  but  as  she's  still  a  working  actress  on  TV  there's  no  real  reason  why  we  won't  get  to  add  another  film  here.  And  so, lo  and  behold....

15.  Brakes ( 2016 )

Kate  returned  to  film  as  part  of  an  ensemble  cast, reportedly  offering  their  services  for  free, in  this  directorial  debut  for  actress  Mercedes  Grower  who  also  wrote,  produced  and  starred  in  the  film. I  say  "wrote"  but  it  was  at  least  partly  improvised  by  the  actors  involved 

The  film  was  marketed  as  an  "anti  rom-com"   but  given  the  paucity  of  laughs  to  be  had, you  could  say  it  was  the  opposite  of  any  sort  of  comedy. The  film  starts  with  Part Two  showing  eight  couples,  and  the  odd  supporting  character, whose  relationships  are  at  various  stages  of  disintegration, then  roughly  two  thirds  of  the  way  in, we  get  Part  One  showing  the  same  people  in  happier  times  and  the  audience  is  expected  to  remember  who  everyone  is.

Without  the  rewind  button  this  is  actually  impossible   and  I  suspect  few  people  would  think  it  worth  the  effort. I  was  tempted  to  ditch   the  film  after  about  15  minutes  for  both  the  largely  uninteresting  scenarios  and  the  shodddy  camera  work. It  does  have  its  moments. Philip  Wigt  is  very  good  as  the  worn  out  film  director  too  lazy  to  turf  out  an  obvious  hustler  ( Julia  Davis ) and  the  opening  scene  with  Steve  Oram  being  stalked  by  his  gay  holiday  fling  (Oliver  Maltman )  is  well  developed. Grower's  own  scenes  with  Noel  Fielding  and  Martin  Hancock  which  move  from  a  sex  shop  to  a  grotty  public  toilet  are  the  funniest  although  the  Part  One  , of  their  story,  also  the  conclusion  to  the  film,  is  incredibly lame .

Other  parts  of  the  film  are  incredibly  boring  and  unfortunately  Kate's  scenes  with  fellow  eighties  survivor  Paul  McGann , fall  into  this  category. The  pair  are  at   a  railway  station, both  threatening  to  leave  the  other  and  each  completely  oblivious  to  what  the  other  is  saying. When  the  train  is  cancelled, McGann  walks  off.  Part  One  reveals  they  met  in  the  British  Museum. What  does  it  mean? Who  knows?  At  least  she  still  looks  good.       

 

5. Pamela Franklin

We'll  be  looking  at  some  older  films  here  because  Pamela  hasn't  made  one  since  1976  when  Jodhi  May  was  just  one  year  old.  Her  last  recorded  acting  work  on  wikipedia  was  a  theatre  appearance  in  1983  and  it's  difficult  to  think  of  anyone  else  from  the  entertainment  world  who's  stayed  out  of  the  spotlight  for  so  long ( though she  did  do  some  audio  commentary for  the  DVD  release  of  "The  Prime  Of  Miss Jean  Brodie") .

Pamela  was  born  in  Japan in  1950 and  lived  all  over  the  place  in  her  early  years. She  went  to  ballet  school  at  8  and  made  her  film  debut  in  1961. She  got  married  to  fellow  actor  Harvey  Jason  ( who  is  still  working )  in  1971  and  they  are  still  together  with  two  children.

1. The  Innocents  ( 1961)

Pamela's  first  film  was  this  commercially  unsuccessful  but  highly-rated  ( by  Scorcese  for  one )   British  chiller  based  on  the  Henry  James  ghost  story  The  Turning  Of  The  Screw.

The  ten-year  old  Pamela  plays  Flora, one  of  two  young  wards  living  on  the  country  estate  of   a  selfish  uninterested  uncle  ( Michael  Redgrave )  who  unloads  all  responsibility  for  them  onto  his  servants. At  the  start  of  the  film  he  appoints  an  inexperienced  new  governess  Miss  Givens  ( Deborah  Kerr )  following  the  death  of  her  predecessor. Flora  and  her  brother  Miles  ( Martin  Stephens )  disturb  her  with  their  odd, furtive   behaviour  and  she  soon  comes  to  believe  that  supernatural  forces  are  at  work.

It's  a  very  good-looking  film, deliberately  made  in  black  and  white  for  heightened  atmosphere  and  to  differentiate  it  from  Hammer's  recent  output. Freddie  Francis's  cinematography  deploys  deep  focus  as  a  narrative  aid  particularly  when  the  malevolent  ghosts  appear  to  Miss  Givens.  Fifty  years  on  it's  not  particularly  scary  and  at  times  seems  a  bit  stagey  particularly  in  the  frequent  scenes  where  she  discloses  her  apprehensions  to  the  housekeeper  ( Megs  Jenkins ) .  However  the  intimate  scenes  with  Stephens   are  still  quite  startling  despite  their  Freudian  undertones  being  rather  more  obvious  now  than  when  it  was  made  and  the  bleak  ending  is  preceded  by  a  jaw-dropping  act  of  animal  cruelty.

There  are  no  weak  links  in  the  cast  with  Kerr  excellent  as  the  excitable  young  governess keeping  a  lid  on  an  obvious  sexuality  for  the  sake  of  the  children. Peter  Wyngarde  doesn't  have  to  work  very  hard  for  second  billing  as  the  evil  spectre  Quint  and  Jenkins  and  Redgrave  give  good  support.

Pamela  is  assured  and  natural  ( director  Jack  Clayton  didn't  disclose  the  full  script  to  the  children  to  help  achieve  this  )  as  Flora  although  her  voice  is  so  high-pitched  when  animated  that  it's  hard  to  catch  all  her  dialogue. Hers  is  also  the  lessser  role  of  the  two  so  she's  overshadowed  by  the  slightly  older  Stephens  who  abandoned  acting  ( for  architecture )  even  earlier, a  great  loss  on  this  showing.

Such  a  debut  had  mixed  blessings  for  Pamela. It  got  her  film  career  off  to  a  great  start  but  perhaps  also  helped  tie  her  down  to  the  horror  genre  from  which  she  never  quite  escaped.

2. The Lion  (1962)

Pamela's  second  film  the  following  year  saw  her  colour  debut  and  how  with  this  sumptuously -filmed  African  adventure.

Despite  first  appearances  this  is  not  really  a  family  film  but  an  adult-themed  adventure-cum-romance. Robert  Hayward ( William  Holden ) an  American  lawyer  comes  to  Kenya  on  a  summons  from  his  ex-wife  Christine  ( Capucine ) . She  is  concerned  about  the increasingly  feral  tendencies  of  their  daughter  Tina ( Pamela )  who  spends  most  of  her  time  with  a  tame  lion  ( Samba )  on  the  game  reserve  of  mum's  new  lover  Bullitt  ( Trevor  Howard ).

Despite  the big  name  cast  this  film  has  fallen  into  obscurity  perhaps  eclipsed  by  the  success  of  Born  Free  ( where  the  lion  has  much  more  screen  time )  a  few  years  later and  avoided  for  the  very  un-pc  suggestion  later  in  the  film  that  Tina  is  being  corrupted  by  exposure  to  the  natives.   The  scenery  and  animal  photography  is  first  rate  and  while  the  back  projection  work  is  very  obvious  in  some  scenes  ; in  others  the  close-up  work  with  the  lion  is  still  impressive. Although Samba's  own  screen  time  is  restricted  there  are  perhaps  too  many  other animal  encounters  at  the  expense  of  character  development ; the  relationship  between  Hayward  and  Tina  is  very  thinly  drawn  and  the  Africans   are  cardboard  stereotypes.

On  the  plus  side,  Holden  and  Howard, neither  of  them  particularly  sympathetic  actors,  are  both  excellent  as  the  two  alpha  males  butting  heads. Only  Capucine  lets  the  side  down,  the  French  model  looking  implausible  in  the  setting  and  permanently  stuck  in  first  gear  as  an  actress.

Pamela, looking  extremely  boyish  with  a  short  haircut  ( which  has  fooled  one  dim  youtube  commenter )  is  superb  both  in  her  performance and  bravery. There's  no  double  mentioned  in  the  credits  and  we're  way  before  the  CGI  era  here so  we  must  assume  she  really  did  get  that  close  to  a  full grown  lion. She's  cute  where  necessary  but  also  convincing  at  conveying  the  darker  side  of  Tina's unusual  adolescence - the  scene  where  she  seems  to   threaten  to  set the  lion  on  Holden  is  quite  unnerving.

On  balance  it's  not  a  bad  film  but  not  quite  a  lost  classic.



3. The  Third Secret (1964)

It's  often  hard  to  discern  why  certain  films  fall  into  obscurity.  Pamela's  third , a  psychological  whodunnit,  has  a  lot  going  for  it - an  interesting  premise, a  name  director  ( Charles  Crichton ) and  a  strong  cast - but  is  pretty  much  forgotten  nonetheless.

The  film  opens  with  a  dying  psychiatrist  Dr  Whitset ( Peter  Copley ) being  discovered  by  his  housekeeper  and  croaking  a  few, necessarily  enigmatic, words  before  expiring. His  young  daughter  Katherine ( Pamela )  visits  one  of  his  former  patients, TV  face  Adam  Stedman  ( Stephen  Boyd ) insisting  that  her  father  was  murdered  by  one  of  his  patients  and  that  Stedman  should  investigate  them. The  patients  in  question  are  an  unhappy  art  dealer  ( Richard  Attenborough ), a  lonely  spinster ( Diane  Cilento ) and  a  prominent  judge  ( Jack  Hawkins ). Stedman's  investigation  entails  confronting  his  own  demons   as  well  as  potential  murderers.

Despite  being  in  black  and  white  and  deep  focus   this  film  has  a  modern  feel. Stedman  the  jaundiced  political  commentator  seems  like  a  contemporary  creation  and  the  undertones  of  forbidden  attraction  between  he  and  Katherine  don't  actually  need  her  suspicious  uncle  to  illuminate  them.

I  shouldn't  over-praise  the  film. The  elliptical  exchanges  between  Katherine  and  Stedman  are  a  bit  over-cooked  and  the  fate  of  Cilento's  character  is  a  pretty  implausible plot  device. The  big  revelation  at  the  end  is well-telegraphed  although  might  have  been  more  surprising  at  the  time  the  film  was  made  when  this  sort  of  psychological  drama  was  less  common.

Nor  does  the  film  benefit  from  the  performance  of  the  leading  man.  Boyd was  a  noted  scenery-chewer  and  there's  plenty  of  evidence  of  that  here  and  when  he's  calm  he's  a  bit  creepy  rather  than  sympathetic. His  indeterminate  accent  is  also  distracting . On  the  other  hand  the  three  "suspects"   all  play  their  scenes  well  and  there's  some  quality  support  in  the  minor  roles  with  Nigel  Davenport  as  a  cynical  TV  producer  and  Judi  Dench  as  Attenborough's  assistant.

This  is  the  best  of  Pamela's  child  roles  allowing  her  to  display  a  very  impressive  range  for  a  13  year  old. Her  final  scene  is  quite  moving  despite  what  we've  come  to  know  of  her  character.

N.B. Catholics  please  note  that  the  title  of  the  film  has  nothing  to  do  with  the  notorious  Third  Secret  of  Fatima

4.  A  Tiger  Walks  (1964)

Pamela's  second  encounter  with  a  big  cat  in  as  many  years  came  in  this  long-forgotten Disney  family  adventure. She  plays  Julie , the  daughter  of  a  county  sheriff  Williams  ( Brian  Keith )  who  has  to  deal  with  a  major  incident  when  a  circus  wagon  blows  a  tyre   while passing  through  his  small  town, Scotia. A  tiger  being  tormented  by  its  drunken   keeper ( Theodore  Marcuse)   breaks  out, kills  him  ( offscreen )  and  escapes  into  the countryside. Williams's  attempts  to  control  the  situation  are  hampered  by  Julie's  sympathy  with  the  tiger  and  her  success  in  raising  a  campaign  to  prevent  it  being  killed.

Pamela's  presence  apart, and  it's  another  assured  performance  from  her, there's  little  to  recommend  this  to  a  modern  audience. Today's  Playstation  kids   would  turn  off  in  droves  if  confronted  by  a  film  so  talky  and  lacking  in  action. For  large  parts  of  the  film  the  tiger  is  nowhere  to  be  seen. And  for  adults  it's  simply  dreary  with  its  contrived  plot   and  cliched  observations  about  the  media  and  politics. It's  also  difficult  to  watch  because  a  lot  of  the  "action"  takes  place  in  a  dense  fog ( which  seems  like  a  device  to  pad  a  thin  story  out  to  movie  length ).

Keith  does  his  best  John  Wayne  impersonation  as  the  sheriff  and  Psycho's   Vera  Miles  as  his  wife  and  Edward  Andrews  as  the  opportunistic  Governor  are  good  in  support. The  only  other  thing  worth  noting  is  that  it  was  the  last  film  of  the  Indian  actor  Sabu  ( not  particularly  good  here  as  a  circus  hand )  before  his  untimely  death.

5. Flipper's New  Adventure ( 1964)

This  was  the  last  of  Pamela's  family  movies  as  a  child  and  without  looking  too  hard  you  can  see  her  maturing.

This  was  a  quick  sequel  to  the  original  Flipper   the  year  before  and  is  actually  the  better  film. Luke  Halpin  returned  in  the  main ( human ) role  of  Sandy  Ricks  and  Joe  Higgins  as  his  neighbour-turned-guardian  but  otherwise  it  was  a  completely  different  cast. Brian  Kelly  replaced  Chuck  Connors  as  Sandy's  dad  Porter  despite being  a  decade  younger and  looking  nothing  like  him. Porter  has  a  much  smaller  role  in  this  film  so  perhaps  Connors  turned  it  down.

An  unspecified  time  has  passed  since  the  events  of  the  first  film. Sandy's  mum  has  died  and  his  father  is  away  re-training  as  a  park  ranger  so  Sandy  is  looked  after  by  a  neighbour. Flipper,  the  dolphin  he saved,  is  still  hanging  around  but  news  arrives  that  the  area  is  to  be  redeveloped; Sandy  has  to  re-locate  and  Porter  has  arranged  for  Flipper  to  move  to  Miami  Seaquarium  ( plugged  throughout  the  movie ) . Sandy  decides  to  sail  away  with  Flipper  in  tow  and  survive  on  a  desert  island. There  he  is  joined  by  a  stranded  mother  ( Helen  Cherry)  and  her  two  daughters  Gwen  ( Francesca  Annis )  and  Penny ( Pamela ) who  have  been  evicted  from  their  yacht  by  a  trio  of  ex-convicts.

As  a  children's  adventure  film  this  holds  up  surprisingly  well  for  its  age. It's well-paced, not  too  mawkish, occasionally  exciting  and  unlike  in   the  first  film  the  adults  aren't  allowed  to  get  in  the  way  too  much.  The  plot  gets  progressively  more  ludicrous , the  pirates  convey   as  much  menace  as  Captain  Pugwash  and  the  survival  techniques  on  show  are  pretty  laughable  but  no  pre-teen  would  object  to  any  of  that.

Halpin  makes  a  great  Boy's  Own  hero with  an  energetic  performance  in  a  role  that  has  him  in  the  water  half  the  time. Pamela  sparks  off  him  well  as  a  spunky  tomboy  and  at  one  point  we  seem  to  heading  into  Blue  Lagoon  territory  ( Halpin  was  three  years  older ) but  not  quite. The  19-year  old  Annis  looks  fantastic  but  has  a  thankless  role  - what  yachting  teenager  would  think  a  dolphin  was  a  sea  monster ?  Cherry  is  dreadful  as  the  mother; you  can  hardly  believe  she  had  a  50 year  career  as  an  actress  on  this  showing. Of  course  they  all   have  to  bow  the  knee  to  the  real  star  of  the  film,  Mitzie  as  Flipper  and  whoever  trained  him/her  to  do  the  impressive  stunts  

Halpin  and  Kelly  went  on  to  a  three  year  stint  in  a  TV  series  spun  off  the  films  and  the  former  appeared  in  the  1996  remake  with  Elijah  Wood  in  his  old  role. Pamela  now  left  animals  behind  until  her  last  film.

6. The  Nanny (1965)

The  14-year  old  Pamela  returned  to  what  you  could  loosely  describe  as  "horror"  in  this  little  melodrama  from  Hammer. By  this  time  Hammer  had  acquired  enough  clout  to  bring  over  Hollywood  icon  Bette  Davis  to  play  the  titular  character  and  thus  is  better  remembered  than  many  other  films  of  this  ilk.

The  plot  concerns  a  little  boy  Joey  ( William  Dix )  returning  home  from  a spell in  a  special  boarding  school  after  the  death  of  his  little  sister. The  household  comprises  his  distracted  diplomat  father  Bill  ( James  Villiers ) , fragile  mother  Virginia  ( Wendy  Craig )  and  the  childrens'   nanny ( Davis )  who  previously  nurtured  Virginia  and  her  sister  Pen ( Jill  Bennett ). Joey  thinks  that  Nanny  is  out  to  kill  him  but  of  course  no  one  believes  him.

It's  still  an  entertaining  piece  of  hokum  with  one  or  two  scary  moments   but  I  don't  think  it  would  give  anyone  sleepless  nights  now. The  plot  is  rather  contrived  with  a  lot  hinging  on  Pen's  heart  condition  and  a  classic  example of  the  Talking  Killer  Fallacy. It  also  veers  in  some  odd  directions  with  Pamela's  character  clearly  intended  to  introduce  some  essence  of  Swinging  London  and  a  bit  of  kitchen  sink  drama  is  awkwardly  crowbarred  in  as  the film  approaches  the  climax. It's  also  a  bit  slow  in  making  Joey's  character  sympathetic; for  the  first  half  hour  you  could  cheerfully  despatch  him  yourself.

The  black  and  white  photography  is  a  plus  making  the  57-year  old  Davis  look  all  the  more  scary  with  heavy  emphasis  on  those  famous  eyes  and  her  acting  is  still  first  rate.  Craig  ( looking  very  nice  indeed )  and  Bennett  are  well  cast  as  sisters  ,  Dix  ( who  never  went  on  to  much  afterwards )  gives  a  good  naturalistic  performance  and  Angharad  Aubrey ( in  her  one  and  only  film )  is  heartbreakingly  sweet  as  the  doomed  sister.

Pamela's  character  is  another  curiosity  of  the  plot. As  the  precocious  teenager  next  door  she  becomes  Joey's  confidante, the  one  person  ready  to  believe  him  but  two  thirds  of  the  way  in  that  role  is  suddenly  usurped  by  Bennett  and  Pamela  immediately  disappears  from  the  story. Nevertheless  she makes  the  most  of  her  opportunities.


7. Our  Mother's  House ( 1967)

This  absorbing  but  strangely  forgotten  family  melodrama ( with  some  plot  similarities  to  The  Third  Secret ) is  where  Pamela  really  started  to  grow  up.

She  plays  one  of  seven  children  left  bereft  by  the  expiration of  their  invalid  mother , ( Annette  Carrell  who  doesn't  get  to  utter a  line )  probably  through  delayed  exhaustion  given  how  close  in  age  six  of  the  kids  are. Led  by  eldest  daughter  Elsa ( Margaret  Brookes )  they  decide  to  fend  for  themselves  in  the  house  and  bury  Mom  in  the  garden. They  are  getting  by  fine  on  a  mixture  of  hysteria  and  ingenuity  until  the  eldest  boy  Hugh  ( Louis  Sheldon  Williams )  decides  to  defy  Elsa  and  inform  absent  father  Charlie  ( Dirk  Bogarde )  of  their  situation. Most  of  the  children  are  happy  to  accept  Cockney  rogue  Charlie  but  Elsa's  reservations  prove  to  be  well-founded.

This  is  a  rather  good  film  which  never  quite  goes  the  way  you  expect  with  some  deliberate  red  herrings  dropped  in  here  and  there. Despite  the  ages  of  the  cast  it's  definitely  not  one  for  the  kids  - the  queasy  scene  where  the  adorable  youngest  child  Willy ( Gustav  Henry ) starts  leafing  through  one  of  Charlie's  Playboy   magazines  is  enough  to  settle  that  point. The  plot  does  strain  credibility  a  bit  but  never  so  much  that  you  start  to  laugh  at  it. Instead  it's  quite  moving  at  times  especially  the  final  scene  which  manages  to  be both  infuriatingly  inconclusive  and  incredibly  poignant  at  the  same  time.  The  atmospheric  score  and  the  excellent  cinematography  making  full  use  of  all  the  house's  dark  corners  help  too.

Much  of  the  credit  is  also  due  to  the  cast. Bogarde  is  excellent  as  the shifty,  exploitative  villain  of  the  piece  and  Yootha  Joyce  is  also very  good  as  the  former  housekeeper  who  begins  to  exploit  him - did  she  ever  play  a  sympathetic  part  I  wonder ? Both  deserve  credit  for  agreeing  to  take  on  the  risk  of  being  upstaged  by  the  young  ensemble. The  other  adult  parts  are  very  minor  including  a  relatively  hirsute  Garfield "Haskins" Morgan  as  an  estate  agent.

Besides  Pamela  the  familiar  faces  amongst  the  kids  include  Mark  Lester ,  who  went  on  to  the  title  role  in  Oliver  but  not  adult  stardom, as  the  sweetly  naive  Jiminee  with  a  convenient  talent  for  forgery  ( the  film's  weakest  point ).  There's  also   a   nine-year- old  Phoebe  ( then  known  as  Sarah )  Nicholls  (  Brideshead  Revisited's  Cordelia ) who's  awesome  as  the  put-upon  youngest  sister.

This  is  one  of  Pamela's  best  performances. She's  playing  a  character  below  her  real  age  ( and  she  looks  older than  Brooks )  stuffed  full  of  pubescent  hormones  and  conflicting  impulses  and  likely  to  erupt  at  any  moment. Hers  is  by  far  the  most  demanding  of  the  children's  roles  and  she  rises  to  the  challenge.

8. The  Night  Of  The  Following  Day ( 1968 )

Pamela  had  now  turned  18  and  as  with  Jenny  Agutter  her  clothes   started  falling  off  regularly  as  they  briefly  do  here.

The  carrot  for  Pamela  in  this  one  was  the  chance  to  work  alongside  Marlon  Brando. She  plays  the  un-named  daughter  of  a  wealthy  man, Dupont ,who  is  kidnapped  by  a  criminal  gang  in  France  and  held  for  ransom in  a  holiday  cottage. The  gang  consist  of  muscleman Bud ( Marlon Brando), his  ageing  friend Wally ( Jess  Hahn ) desperate  for  a  last  big  payoff, his  junkie  girlfriend  Vi ( Rita  Moreno) and  outside  help  Leer  ( Richard Boone)  who  inevitably  turns  out  to  be  a  loose  cannon. Things  start  going  wrong  from  the  start when Vi  attracts  the  attention  of a  local  policeman (Gerard  Buhr)  and  Leer  reveals  an  unprofessional  interest  in  the  hostage.

This  isn't  one  of  Brando's  more  celebrated  films  and  you  can  see  why. With  little  back  story  to  the  characters  it's  hard  to  care  what  happens  to  them  and  despite  the  French  setting  much  of  the  film  resembles  an  average  episode  of  The  Sweeney  with  Regan  et  al's  scenes  removed. It's  not  bad  just  rather  dull. The  climax  is  reasonably  exciting   ( and  may  have  influenced  Get  Carter ) and  provides  a  brief  look  at  Pamela's  teenaged  nipples  but  you  still  feel  undernourished  by  the  end  of  it. The  ambiguous  final  scene  seems  more  of  a  ploy  to  appease  the  censor  than  an  artistic  decision.

The  performances  are  competent  rather  than  inspired. Brando  made  this  film  out  of  contractual  obligation  and though  he's  still  in  good  shape  physically  at  this  point,  his  performance  seems  a  bit  desultory. Certainly  it's  as  hard  to  believe  in  his  and  Vi's  relationship  as  it  is  to  accept  that  a  professional  gang  would  employ  such  a  flaky  person  as  Vi  in  the  first  place.

Pamela  does  alright  but  after  the  first  half  hour  she's  hardly  in  it  and  when  she  is  has  little  dialogue  so  it's  hard  to  believe  she  looks  back  on  it  as  a  career  highlight.


9. The  Prime  of  Miss Jean Brodie  (1969)

Pamela's  best  role  came  in  this, one  of  the  seminal  films  of  the  sixties  still  fondly  remembered  for  delivering  an  Oscar  to  its  star  Maggie  Smith  as  the  titular  schoolteacher. Pamela  plays  her  loyal  pupil  and  is  absolutely  pivotal  to  the  plot  so  I  must  watch  for  spoilers.

It's  based  on  a  novel  by  Muriel  Spark  and  for  years  I  had  the  wrong  impression  of  it. I  caught  a  snatch  of  the  1970s   ITV  adaptation   starring  the  repellent  Geraldine  McEwan  which  my  mother  and  sister  watched  religiously. I  immediately  dismissed  it  as  typical  Sunday  evening  fare, a  twee  rites  of  passage  story  for  girls  on  a  par  with  Anne  of  Green  Gables.  ITV  must  have  bowdlerised  it  considerably  because  you  could  hardly  get  a  much  darker  storyline. Far  from  being  the  beneficient  mentor  she  imagines  herself  to  be,  Jean  Brodie  is  an  evil ,  manipulative  woman inculcating  her  charges  with  fascist  values  and  willing  to  sacrifice  their  reputations  and  even  their  lives   to  feed  her  self-delusion. She  knows  her  way  around  the  governance  structure  to  thwart  her  suspicious  headmistress  ( Celia  Johnson )  and  strings  along  two  lovers  among  the  male  staff, the  wealthy  but  unworldly  Mr  Lowther  ( Gordon Jackson )  and  the  randy  art  teacher  Mr  Lloyd ( Robert  Stephens )  who  is  obsessed  with  her.

Although  there's  an  obvious  late  60s  look  to  the  film  it  hasn't  dated  at  all. Independent  education,  political  indoctrination  and  sexual  exploitation  remain  hot  topics  and  the  film  both  enthrals  and  appals. Occasionally  it  veers  towards  melodrama - the  subplot  about the  class  mouse  ( Jane  Carr )  going  off  to fight  in  the  Spanish  Civil  War  is  a  bit  of  a  stretch  - but  that's  a  minor  quibble.

Smith's  Oscar  was  well-deserved  for  an  utterly  captivating  performance that  captures  both  Brodie's  appalling  narcissism  and  her  pathetic  vulnerability  when  things  start  to  go  awry. The  rest  of  the  cast  play  their  part  too. Johnson  helps  make  her  confrontations  with  Smith  electrifying  , Jackson  is  excellent  as  the  dull  and  decent  Lowther  and  the  girls  are  all  convincing. Only  Stephens  ( Smith's  husband  at  the  time )  seems  a  bit  over-wrought  at  times .

Pamela  is  superb  as  the  initially  prim  prefect  Sandie  who  eventually  gets  fed  up  of  being  taken  for  granted. She  attracted  some  controversy  for  her  nude  scene  ( though  she  was  18 and  her  snatch  is  hidden ) and  the  schoolgirl  sex  storyline  it  heralds  but  took  it  in  her   stride. The  film  ends  with  a  scene  of  her  striding  out  into  the  new  decade  which  was  to  bring  her  mixed  blessings. 

And  what  of  Jean ? The  film  leaves  her  fate  uncertain  but  some would  say  she  re-surfaced  ten years  later,  again  played  by  someone  called  Maggie  and  even  more  appalling. But  Pamela  had  left  us  by  then.



10. Sinful  Davey ( 1969 )

Pamela  got  the  lead  female  role  in  this  historical  romp. It  was  directed  by John  Huston  but  isn't  regarded  as  one  of  his  better  films   and  it  took  me  quite  a  while  to  find  it.

The  film  was  loosely  based  on  The  Life  of  David  Haggart , the  hastily-written  memoir  of  an  early  nineteenth  century Scottish  criminal  shortly  before  he  was  hanged  for  murder  amongst  other  crimes. James  Webb's  adaptation  softens  the  story  considerably ; Davey  doesn't  kill  anyone and  gets  a  happy  ending  and  the  emphasis  is  on  comedy  rather  than  crime  with  Davey  usually  ending  up  empty-handed. It  was  actually  filmed  in  Ireland. Ronald  Fraser  as  Davey's  henchman  McNab  is  the  only  genuine  Scot  in  the  leading  cast . The  others  have  to  do  Scottish  accents  as  best  they  can ; Robert  Morley  as  the  Duke  of  Argyll  doesn't  make  the  attempt  at  all.

Sinful  Davey  is  a  good-looking  film  which  makes  full  use  of  the  splendid  Irish  scenery  and  everyone  seems  to  have  had  a  good  time  making  it  but  it  doesn't  quite  work. The  late  John  Hurt  had  many  great  qualities  but  charm  wasn't  among  them  and  he's  seriously  miscast  here. You  wouldn't  feel  the  slightest  regret  if  his  execution  went  ahead  as  planned.The comic  episodes  are  fairly  witless  and  never  more  than  mildly  amusing.

Pamela  plays  Annie , Davey's  childhood  friend ( although  Hurt  was  a  decade  older ) and  an innocent  who  follows  him  around  trying  to  save   his  soul. Pamela  plays  her  with  great  charm  and  a  competent  accent  ( though  of  course  she'd  had  some  practice  in  her  previous  film )  but  can't  really  make  their  relationship  convincing.

11. And  Soon The  Darkness  (1970)

Pamela  had  the  starring  role  in  this  influential  British  chiller  which  I  first  saw  some  time  in  the  80s. I  found  it  an  annoying  film  with  too  much  to-ing  and  fro-ing  along  one  small  stretch  of  French  road  although  I  admit  my  view  may  have  been  influenced  by  the  film's  failure  to  deliver the  "kit  off"  action  it  seemed  to  promise.  So  I  was  looking  forward  to  giving  it  another  chance.

Jane  ( Pamela )  and  Kathy  ( Michelle  Dotrice )  are  British  nurses  on  a  cycling  holiday  in  rural  France  but  they  are  not  well-matched. Jane  is  energetic  and  wants  to  see  all  the  sights  while  Kathy  wants  to  do  more  sunbathing  and  chatting  up  the  local lads  such  as  the  moody  French  bloke ( Sandor  Eles )  with  shades  and  moped   who  seems  to  be  following  them. The  girls  stop  at  a  wooded  spot  by  the  road  but  after  an  argument  Jane  rides  off  alone. She  stops  at  a  rundown  cafe  to  wait  for  her  friend  but  she  fails  to  show  up.

The  screenplay  was  written  by  telly  greats  Brian  Clemens  ( The  Avengers  and  much  else )  and  Terry  Nation ( Dr  Who )  and  the  film  directed  by  Robert  Fuest  , best  known  for  The  Abominable  Dr  Phibes. And  on  second  viewing  it's  pretty  good. Despite  its  obviously  modest  budget  it  looks  good. You  can't  really  go  wrong  with  two  attractive  girls  in  tight  blouses  and  hotpants  but  the  big  sky  scenery  is  well -captured  and  a  big  part  of  the  film. The  title  is  somewhat  ironic  since  nearly  all  the  action  takes  place  in  the  brightest  possible  conditions, a  pertinent  reminder  that  broad  daylight  may  not  be  enough  protection  when  you're  in  a  strange  environment  and  can't  easily  communicate.

It's  not  really  a  horror  film  with  its  low  body  count  and  lack  of  gore  and  I  still  think  there's  a  bit  too  much  meandering  along  the  road  and  people  peeping  through  branches  but  it  does  retain  the  suspense  to  an  exciting  climax. The  script  is  occasionally  clunky. I  love  Clare  Kelly's  line  "You  must  be  surprised  to  find  an  old  British  buzzard  like  me  here"  when  it's  pretty  obvious  that  Jane  needs  an  English-speaking  character  to  explain  the  area's  sinister  secret  to  her.

Although  not  a  great  commercial  success  it  has  been  influential  ; you  can  draw  a  straight  line  from  here  to  Wolf  Creek, Spoorloos  and  Hostel  and  there  was  an  American  re-make  ( which  I  haven't  seen  yet )  in  2010.

The  performances  are  generally  sound. For  anyone  who  remembers  the  70s  there  is  of  course  a  major  problem  with  Dotrice  i.e.  dissociating  her, particularly  the  voice ,  from  the  loyal  but  permanently  exasperated  wife  of  social  leper  Frank  Spencer  in  Some  Mothers  Do  'Ave  'Em. She's  worked  pretty  steadily  since  but  this  film  is  the  only  other  thing  I  can  recollect  and  shows  she  had  more  talent  than  is  likely  to  be  remembered.  Eles  is  alright  but  John  Nettleton  as  the  policeman  makes an  attempt  at  a  French  accent  which  could  well  have  been  the  inspiration  for  Crabtree in  Allo  Allo.

As  for  Pamela  she's  terrific. She's  never  looked  better  particularly  in  the scenes  where  she  has  a  tan  ( which  should  be  all  of  them  but  isn't )  and  her  acting  is  first  rate  too.

12. Necromancy  aka  The  Witching  (1972)

This   is  the  first  ( and  slightly  the  better ) of  two  terrible  films  Pamela  made  with  director  Robert  Gordon  and  is  most  significant  for  the  fact  that  she  met  her  husband-to-be  Harvey  Jason  on-set. That's  him  in  the  still  above. Incidentally  a  number  of  the  young witches  in  the  film  were  actually  bridesmaids  at  their wedding.

Pamela  plays  Lori  a  young  woman  who  has  miscarried and  who  is  moving  with  her  husband  Frank  ( Michael  Ontkean )  to  the  small  town  of  Lilith  where  he  has  received  a  surprise  lucrative  job  offer. Even  on  the  journey  she  has  disturbng  visions  and  flashbacks  and  after  meeting  her  husband's  employer  Cato  ( Orson  Welles )  she  realises  that  she  has  been  lured  there  for  occult  purposes.

The  film  is  nothing  more  than  a cheap ,  shoddy  attempt  to  ride  on  the  back  of  recent  horror successes  such  as  The  Devil  Rides  Out, Rosemary's  Baby  and  The  Wicker  Man. Compared  to  any  of  them  it  curls  up  and  dies. There's  no  suspense - you  know  exactly  what's  afoot  from  the  first  scene, no  humour  and  no  intelligence in  the  script , just  a  regular  resort  to  nudity  ( including  Pamela  but  mercifully  not  Welles )  to  keep  you  awake. There's  a  badly-staged  car  accident  with  lighting  continuity  errors  and  an  over  intrusive  soundtrack  (  which  sounds  very  eighties - this  film  has  been  re-edited  a  number  of  times ) which  regularly  obscures  the  dialogue  ( not  necessarily  a  bad  thing ).

Pamela  is  the  only  actor  to  emerge  with  any  credit, giving  a  committed  performance  despite  some  terrible  lines  and  an  inexplicable  volte-face  by  her  character  at  the  film's  climax. She  also  looks  fantastic  whether  naked  or  otherwise.

Welles  is  just  unspeakable. He  barely  moves,  filling  the  screen with  his  black-clad  blubber  and  grunting  his  lines  out  like  a  surly  ticket  collector; it's  down  there  with  Brando  in  Superman   as  one  of  the  laziest  film  performances  of   the  decade. Ontkean  is  bland as  the  husband  and  the  townsfolk  are  all  pretty  wooden  including  Jason  who  plays  the  doctor  - on  this  showing  it  should  have  been  him  who  retired  from  acting.


13. Ace Eli and Rodger of the Skies (1973)

14. The  Legend of Hell House  (1973)

Pamela's  last  two  films  saw  her  return  to  the  horror  genre.

Here  she  plays  Florence  Tanner  a  young  medium  recruited  by  an  obsessed  millionaire  Dr Deutsch ( Roland  Culver )  as  part  of  a  team  to  investigate  the  phenomenon  of  haunting  at  a  mansion  previously  home  to  a  notorious  bluebeard, Belasco. The  other  members  are  Barrett ( Clive  Revill) , a  sceptical  physicist  and  Fischer ( Roddy  McDowall ), also  a  medium  and  the  survivor  from  a  previous  attempt  to  unlock  the  house's  secrets  20  years  earlier. Also  along  for  the  ride  is  Barrett's  wife  Ann ( Gayle  Hunnicutt ) .

This  British  film  is  decent  rather  than  essential.  It  relies  on  set piece  shocks ( some  of  which  have  been  cut on  the  DVD; one  character's  death  scene  has  been  rendered  nonsensical )   rather  than  a  convincing  narrative  and  the  script  seems  under-cooked. Fischer's  motivations  for  example  remain  opaque  for  the  duration  of  the  film  and  the  distinction  between  him  as  a  physical  medium   and  Florence  a  mental    medium  is  mentioned  but  goes  unexplained. Also  unexplained  is  Fischer's  seeming  insomnia  as  he  responds  quickly and  fully  clothed  to  the  other  characters'  night  time  ordeals. It's  also  puzzling  why  there  are  regular  captions  giving  the  date  and  time ; Deutsch  has  given  the  team  a  week  but  otherwise  they  are  unnecessary  for  any  understanding  of  the  action  and  one  appears  mid-scene  as  if  the  film  editor  missed  their  cue. And  the  ending  is  a  serious  let-down.

The  big  plus , bias  notwithstanding,  is  Pamela's  performance  as  the compassionate , highly  strung  and  vulnerable  medium  who  is  also  on  occasion, possessed. She  is  top  billed  and  deservedly  so. She  also  takes  quite  a  physical  battering, knocked  out ,scratched, roughly  screwed  and  thrown  around  before  her  final  scene. She  gets  naked  again  but  it's  brief  and  not  well-lit. She  acts  Hunnicutt  off  the  screen. McDowall  is  as  reliable  as  ever  in  this  sort  of  thing  but  Revill  is  a  bit  one-dimensional.

If  Pamela  had  to  retire  it's  a  shame  this  wasn't  her  final  act  but  there's  one  sad  chapter  to  go.

15. The  Food of  the  Gods (1976)

And  so  we  come  to  the  melancholy  task  of   looking  at  Pamela's  last  film. I  remember  seeing  the  trailer  for  this  as  an  11-year  old  in  the  ABC  cinema,  Rochdale  ( probably  before  Jaws ) and  being  enthralled. When  I  watched  it  on  TV  in  the  eighties  it  was  inevitably  disappointing.

Very  loosely  based  on  an  idea  by  HG  Wells, it  actually  falls  into  the  niche  of  70s  eco-horror  (along  with  Doomwatch, No  Blade  of  Grass, The  Changes )  and  bears  more  than  a  passing  resemblance  to the  classic  1973  Dr  Who  episode  The Green Death. Though  rather  earlier,  The  Birds  is  another  obvious  influence. Morgan  ( Marjoe  Gortner ) is  an  American  footballer  on  an  island - based  hunting  vacation  with  his  friend  Brian ( Jon  Cypher )  amd  another  man  who  is  killed  by  over-sized  wasps. Going  for help  Morgan  has  to  fight  off  a  giant  rooster  at the  farm of  Mrs  Skinner  ( Ida  Lupino )  and  his  subsequent  visit to  her  house  lays  bare  the entire  premise  of  the  film  after  just  10  minutes.

You've  probably  guessed  we're  not  talking  Citizen  Kane  here.  The  film  reunited  Pamela  with  Necromancy  director  Robert  Gordon  and  he  also  produced  the  film  and  wrote  the screenplay. It's  in  the  latter  category  that  he  fails  most  egregiously. The  script  is  absolutely  terrible  with  continuity  errors  ( Pamela's  character  somehow  ends  up  in  a  giant  rat's  burrow  with  her  hat  and  coat  on  despite  a  previous  scene  showing  her  indoors  by  the  fire )  and  logical  flaws  to  which  the  dialogue  actually  draws  your  attention. Morgan  has  risible  monologues  about  nature  fighting  back  at  both  ends  of  the  film  and  his  and  Brian's  reflection  on  their  friend's death  is  excrutiatingly  bad.

The  special  effects  are  variable, sometimes  moderately  impressive, at  other  times  contemptible. The  wasps  aren't  very  convincing  and  the  rooster  scene  is  laughable .The  rats  are  OK ( their  first  attack is  genuinely  scary  and  the  best  bit  of  the  film )  but  when  their leader , an  obviously  tame  albino , appears  the  film  starts  to  resemble  a  rather  warped  episode  of  Tales  From  The  Riverbank.  The  other  plus  points  are  the  wonderful  Vancouver scenery  and  the  fact  that  the weather  is  awful  throughout  the  film  as  if  the  heavens  are  weeping  for  the  end  of  Pamela's  career. Or  maybe  just  drivel  deserves  drizzle.

The  casting  doesn't  help  matters. Gortner, who  looks  like  contemporaneous  tennis  star  Vitas  Gerulaitis,  came  to prominence  with  the  Oscar-winning  documentary  Marjoe,  an  exposure  of  his  own  fraudulent  practices  as  a  revivalist  preacher and  somehow  managed  to  use  it  as  a  springboard  for  an  acting  career. You're  most  likely  to have  seen  him  as  the psychotic  reservist  ( Bruce  Dern  must  have  been  unavailable ) in  the disappointing  Earthquake  , a  one-dimensional  role  in  which  he  was  quite effective. Here,  his  inadequacies  as  an  actor  are  all  too  obvious. He  only  has  one  expression, a  teeth-baring  grimace  suggestive  of  tetanus  or  heavy  cocaine  use  and  his  delivery  is  amateurish.  Cypher  is  nearly  as  bad but  his  drug  of  choice  appears  to  be  Mogadon  and  Ralph  Meeker's  cartoon  villain  is  rendered  even  more  laughable  by  an  Elmer  Fudd- speech  defect.

So  what  of  Pamela ?  Well she  plays  Lorna  a  bacteriologist  who  accompanies  Meeker  to  the  island  for  no  readily  apparent  reason. She does  her  best  despite  some  jaw-breaking  lines  and  having  to  fake   ( not  very  convincingly I  must  say ) carnal  interest  in  Gortner  but  it's  a  losing  battle. It  also  has  to  be  said  that  despite  being  only  26  at  the  time  her  girlish  good  looks  were  fading  ( borne  out by  subsequent  TV  appearances ) and  she  appears  a  short, rather  plain woman  even  when  she  finally  gets  to  take  her  hat  off .

It's  very  sad  to  see  a  promising  career  peter  out  in  such  trash  ( there  was  a  surely  uncalled-for  sequel  in  1989  but  neither  cast  nor  crew  from  the  original  were  involved ).  She  didn't  disappear  immediately  being  much  in  demand  for  guest  star  roles  on  TV  and  you  can  find  her  in  The  Gemini  Man, Police  Story, The  Hardy  Boys, Fantasy  Island  and  a  fair  few  others  in  the  following  5  years  but  after  an  appearance  in  Vegas  in  1981  she  vanished , seemingly  for  good .  As  far  as  I'm  aware  she's  not  given  any  interviews  on  the  subject  so  I'm  left  to  speculate.

Obviously  California  is  a  nice  place  in  which  to  bring  up  your  children  and  perhaps  no  more  needs  to  be  said. But  you  can  also  remind  yourself  that  we're  dealing  with  someone  who'd  worked  with  Bette  Davis, Marlon  Brando  and  John  Huston  before  she  was  20. It's  not  too  difficult  to  imagine  how  she  felt  about  screaming  at  a  back  projection  of  rats  clambering  over  a  doll's  house  with  a  snake  oil  salesman  as  her  co-star  just  a  few  years  later. If  that  was  her  future  in  film  her  abdication  isn't  too  surprising.